지난 30여 년간 에스 데블린은 올림픽 폐막식과 슈퍼볼 하프타임 무대 그리고 10만 명이 한목소리로 노래하는 스타디움을 디자인해왔다. 그러나 그가 출발한 곳은 1995년 런던의 작은 극장이었고, 지금도 내셔널 시어터와 메트로폴리탄 오페라의 무대와 스타디움 사이를 같은 보폭으로 오간다. 에스 데블린의 이름은 그의 커리어 전체를 통틀어 대개 무대 뒤에 있었다.
강제 이주를 겪은 런던 거주자 50인을 초크와 목탄으로 그린 대형 초상 연작 ‘Congregation(2025)’. 에스 데블린은 상대에 대해 아무것도 모르는 상태로 45분간 그린 뒤, 그가 자신의 이야기를 들려주면 다시 그리기를 이어갔다.
이런 순서가 뒤집힌 것은 2016년, 개인 작업을 시작하면서부터다. 2023년 뉴욕의 쿠퍼 휴잇은 무대 예술가로 명성을 떨쳐온 에스 데블린의 30년 아카이브를 통째로 불러들여 첫 미술관 개인전을 열었고, 2025년 밀란 브레라 미술관에 세운 메인 설치미술 작품 ‘Library of Light’에는 20만 명에 가까운 관람자가 다녀갔다. 9월 베네치아에서 개막하는 공예 비엔날레 ‘호모 파베르’의 예술감독 역시 에스 데블린이다. 푸투라서울 한국에서 첫 개인전 <Come Home Again>을 앞둔 에스 데블린에게 푸투라서울 구다회 대표와 <엘르 데코>가 나란히 물었다. 무대의 백스테이지가 아닌, 미술의 편에서 에스 데블린과 나눈 이야기.
까르띠에의 커미션으로 테이트 모던 런던에서 전시된 세인트 폴 대성당의 돔을 단면으로 잘라낸 조명 조각 작품 ‘Come Home Again’(2022). 런던의 보호 우선종 243종(나방, 새, 딱정벌레, 야생화, 물고기, 균류)을 데블린이 연필로 그려 채웠다.
푸투라서울 구다회 대표(이하 구다회) 많은 사람이 에스 데블린의 작업을 거대한 무대, 공공 설치미술, 빛과 건축의 스케일로 기억합니다. 당신의 작품은 항상 공적인 장소에서 다수의 관람자와 만나왔어요. 하지만 제가 처음 접한 에스 데블린의 세계는 집이라는 사적인 공간에서 시작됐어요. 지난 2024년 6월, 런던에 있는 당신의 집에서 우리는 처음 만났죠. 개인적인 이야기로 거슬러 올라가보고 싶어요. 지금의 길로 들어서게 된 결정적인 순간은 언제였나요
에스 데블린(이하 에스) 어떤 상황에 놓였을 때 스스로도 예상하지 못한 선택을 하는 모습을 지켜보면서 우리가 어떤 사람이 돼가는지 발견할 수 있습니다. 1994년 초의 저는 중요한 갈림길에 서 있었어요. 순수미술 작가로서 개인 작업을 이어갈 것인지, 아니면 연출가와 극작가, 음악가들이 함께하는 공동체에서 무대 디자이너로서 성장해 나갈 것인지 택해야 했어요. 삶에서 갈림길을 마주할 때마다 가능하다면 두 길 모두 선택하려고 하는 저는 당시 연극에 특별한 관심도, 그것이 고대 그리스 이래 여러 세대를 거쳐 이어져온 시민적 실천의 장이라는 점을 미처 몰랐죠. 다만 저를 연극으로 이끈 것은 그곳에 있던 서로에 대한 호기심, 공동 목적을 공유하는 분위기였습니다.
2023년 라스베이거스의 스피어에서 열린 U2 레지던시를 위한 작업 ‘Nevada Ark’. 네바다주 멸종위기종 152종 가운데 26종을 조형으로 만들어 띄웠다. 1만5000㎡ 스크린 전면을 채우며 공연의 마지막을 장식했다. ‘Come Home Again’에서 파생된 작품.
구다회 실제로 개인적인 기억과 리서치, 드로잉, 문장에서 작업이 시작되기도 한다죠
에스 공연 예술 분야에서 일하면서 다른 한편으로는 시를 쓰고 이미지를 만드는 개인 작업을 이어갔어요. 작은 조각과 드로잉은 제 모든 공공미술 작업과 공연의 출발점이에요. 저에게 드로잉이란 사적인 생각을 공적인 작업으로 확장하기 위한 소통과 협업의 언어이기도 합니다. 드로잉을 하며 다른 분야의 창작자와 엔지니어, 제작자 등과 작품을 발전시켜 나가죠.
엘르 데코 과거에 제작한 모형과 스케치 등을 참고하는 것 역시 작업 과정에 항상 포함시키는 것으로 알고 있어요. 이미 지난 생각의 흐름으로 실을 이어가는 걸 좋아하고, 아이디어를 수년에 걸쳐 서서히 기르는 방식으로 작업하는 이유는
에스 때로는 어떤 드로잉을 그리고 나서야 그것이 10년 전에 이미 탐구했던 아이디어와 똑같다는 사실을 깨닫기도 합니다. 같은 형태라도 연필이나 목탄으로 표현된 후에는 각각의 프로젝트가 놓인 조건에 따라 전혀 다른 방향으로 발전할 수 있거든요. 지난 30여 년 동안 저는 서로 다른 방식의 작업을 통해 몇 가지 질문을 꾸준히 탐구해 왔어요. 특히 유기적 형태와 기하학적 형태의 경계가 만들어내는 긴장감에 늘 흥미를 느껴왔어요.
2026년 3월 메트로폴리탄 오페라에서 초연한 바그너 오페라 <Tristan und Isolde>(2026)의 무대는 현실과 신화의 세계를 보여줬다. 스피어에서 벌어진 공연 <U2: UV at Sphere>(2023)를 위한 작업. 2012년 런던올림픽 폐막식 무대. 런던로열오페라 하우스에서 올린 모차르트의 오페라 <Don Giovanni>는 회전하는 건축 구조물 위로 영상이 흘러내리며 무대 전체가 계속 다른 공간으로 바뀐다. 밴드 와이어(Wire)와 함께한 작업 <Flag: Burning>(2003)은 연극과 실험적 오페라에서 출발한 그가 처음으로 콘서트 무대에 나선 기회였다.
(왼쪽 위부터 시계 방향으로) 아델의 월드 아레나 투어(2016). 토마스 빈터베르그의 영화를 옮긴 연극 (2019). (2005). U2의 (2015)는 아레나를 가로지르는 긴 통로 위에 양면 스크린을 세워, 멤버들이 영상으로 걸어 들어가도록 만들었다. 무대 위에 떠 있는 뾰족한 구조물이 빛을 내며 접혔다 펴지면서 비행체의 움직임을 만들어낸 위켄드의 월드 투어 공연 (2017).
구다회 푸투라서울은 북촌이라는 오래된 시간 위에 놓인 현대적 공간입니다. 한옥 지붕과 오래된 골목, 작은 정원, 빛과 바람 등 주변 환경이 건축물 안으로 들어오는 구조죠. 이 공간에 들어선 순간 처음 느낀 건 무엇인가요
에스 푸투라서울은 유기적으로 흐르는 형태와 직선적 형태를 함께 품고 있습니다. 이는 도시와 자연 사이를 오가며 살아가는 우리의 일상적 경험을 떠올리게 해요. 저 역시 그런 감각에 응답하며 이번 작업을 구성했습니다. 이곳에 담겼던 두 편의 ‘시’(레픽 아나돌과 안소니 맥콜의 전시)는 빛 중심의 구성 때문에 창과 천장을 어둡게 유지해야 했지만, 이번 전시는 자연광과 작품이 서로 어우러지는 모습을 관람자가 경험할 수 있습니다. 공간이 작품을 담는 배경에 머무르지 않고 전시를 이끌어가는 또 다른 주인공이자 등장인물이 될 거예요.
데블린의 25년 작업 과정을 담은 스케치북 365권으로 쌓아 올린 스크린 ‘Screenshare’. 8분짜리 영상이 끝나면 관람자는 스크린에서 한 장을 뜯어 가져갈 수 있고, 그렇게 작품은 조금씩 해체된다. 2025년 뭄바이 NMACC 슈퍼블루 전시 <Second Nature>를 위해 다시 만들어졌다.
엘르 데코 2022년 테이트 모던 가든에서 선보인 동명의 작품 ‘Come Home Again’은 맞은편에 있는 세인트폴 대성당 돔의 단면 축소 모형을 재활용 철강으로 제작했습니다. 그 안은 런던 생물다양성 실천계획(London Biodiversity Action Plan, BAP)이 지정한 우선 보호종 250종을 직접 그린 연필 드로잉으로 장식했어요. ‘돔’이 원래 ‘집’이라는 의미에 착안한 작품이었다죠. 서울에서도 이와 같은 질문에서 시작하나요
에스 어떤 전시든 그것을 경험하는 방식은 다양하고, 작가도 자신의 작품이 어떻게 받아들여질지 완전히 예측할 수 없을 거예요. 제가 바라는 건 관람자들이 이번 전시와 ‘Come Home Again’이라는 문구를 하나의 초대로 받아들이는 겁니다. 전시를 이루는 여덟 개의 작품을 여덟 단계로 경험하고, 전시장을 떠난 뒤에도 그 경험을 각자의 삶 속에서 계속 이어가고 발전시켜 보자는 초대입니다. 저는 이 문구를 조앤나 메이시(Joanna Macy)의 저서 <World as Lover, World as Self>에서 처음 접했습니다. “이제 우리는 서로를 분리된 존재로 여기지 않아도 됩니다. 우리는 다시 집으로 돌아갈 수 있습니다. (중략) 우리는 서로에게 속해 있음을 깨닫는 자리로 돌아갑니다.” 자신과 타인, 인간과 지구의 경계가 서로에게 열려 있다는 가르침을 경험하게 하고 싶습니다.
책 <An Atlas of Es Devlin>의 한 페이지. 30여 년 동안, 120여 개의 프로젝트를 900쪽이 넘는 부피에 담은 첫 모노그래프다. 접지와 컷아웃, 거울과 반투명지가 섞여 책 자체가 하나의 조각 작품처럼 만들어졌다.
구다회 전시를 준비하며 선명한 기억으로 남은 장면은
에스 푸투라서울의 중심에는 ‘백 개의 시’라는 공간이 있습니다. 저는 처음 이곳에 왔을 때 그 공간을 위에서 내려다보며 레픽 아나돌(Refik Anadol)의 전시를 봤어요. 전시 동선은 마지막에 그 공간을 볼 수 있도록 설계돼 있었죠. 순간 저는 그 여정을 뒤집고 싶었습니다. 처음부터 곧바로 ‘백 개의 시’로 들어갈 수 있도록 말입니다. ‘백 개의 시’에서 전시를 시작하겠다는 것이 가장 먼저 내린 결정이었습니다.
닥터 드레의 고향 컴프턴을 SoFi 스타디움 필드에 옮겨 세운 하프 타임 쇼 무대 ‘Super Bowl LVI’(2022). 찰스와 레이 임스의 <Powers of Ten>을 참조해 우주에서 컴프턴의 거리까지 줌인하는 도입부로 시작했고, 로즈크랜스 애버뉴의 실제 건물을 무대로 옮겨 놓았다.
구다회 한국의 관람자는 빠르게 보고, 느끼고, 공유하는 데 익숙합니다. 동시에 아주 오래된 의례와 시, 노래, 자연에 대한 감각도 가지고 있죠. 서울의 관람자에게 특별히 기대하는 반응이 있다면
에스 우리는 음악 속에서 서로 다른 리듬이 병치되는 경험을 합니다. 관람자가 작품과 관계를 맺는 방식은 전시를 따라가며 계속 달라질 거예요. 처음 5분 동안 관람자는 수많은 작가의 말없는 문장에 둘러싸인 채 도서관에 앉게 됩니다. 그동안 시간 리듬은 음악과 제 목소리가 정하겠죠. 그러다 도서관의 벽이 갈라지며 끝없이 반사되는 미로가 모습을 드러내는 순간, 리듬의 주인이 바뀝니다. 각자가 저마다의 속도로 미로를 걸어가죠. 어떤 사람은 모든 길을 탐험하고 싶을 것이고, 또 어떤 사람은 한곳에 머물며 자신의 반사된 조각들 사이로 비치는 다른 사람의 모습을 바라볼 겁니다. 또 어떤 사람은 카메라 렌즈를 통해 빛나는 유리와 함께 춤추듯 작품을 경험하겠죠. 런던의 ‘Come Home Again’에서 그랬듯 사람들이 함께 드로잉 테이블에 둘러앉아 말없이 서로의 얼굴을 그리기 시작하면 또 다른 박자가 생겨납니다.
런던 180 더 스트랜드의 그룹전 <LUX: New Wave of Contemporary Art>를 위해 만든 대형 설치미술 작품. 사운드스케이프는 폴리포니아가 맡았다. 메러디스 몽크의 오페라 <아틀라스>를 유발 샤론 연출로 되살린 무대. ‘Egg’(2017)는 3D 프린트와 수작업으로 만든 1만 개 넘는 미니어처 건물로 조립한, 폭 10m의 로어 맨해튼 모형이다. 데이비드 오예로워가 주연한 셰익스피어 비극 <Coriolanus>(2024).
엘르 데코 관람자들이 그 끝에서 어떤 감각을 느끼길 바라나요
에스 ‘현존(Presence)’이라는 감각을 느꼈으면 좋겠습니다. 자기 자신을 새로운 방식으로 바라볼 수 있으니까요.
구다회 슈퍼볼, 올림픽, 대형 콘서트처럼 수만 명이 동시에 경험하는 장면을 만들어왔고, 미술관이나 공공장소에서 조용하고 사적인 몰입의 순간도 만들어왔습니다. 거대한 스케일과 내밀한 감각 사이에서 균형은 어떻게 찾나요
에스 스타디움은 수많은 사람이 함께 모이는 공간입니다. 잠시 동안 10만 명이 하나의 공동체를 이루고, 모두 한목소리로 노래를 따라 부르면서도 각자는 공연자와 단둘이 마주한 것처럼 친밀함을 느끼고 싶어 합니다. 그래서 무대 위 조형은 거대한 규모 속에서 친밀한 경험이 가능하도록 그 공간을 품고 있어야 합니다. 이 작업을 하며 깊이 새긴 말은 시인 마야 안젤루(Maya Angelou)의 문장입니다. “사람들은 당신이 한 말을 잊고, 당신이 한 일을 잊지만, 당신이 어떤 감정을 느끼게 했는지는 결코 잊지 않는다.” 저와 함께 작업해 온 뛰어난 음악가들은 에너지를 전하는 존재들이에요. 항상 그들과 함께, 그들을 둘러싼 조형을 통해 공연자와 관객 사이에 에너지가 양방향으로 전달되는 공간을 만들고 싶었습니다.
엘르 데코 다채로운 작업을 통해 브레이크 없는 상상력을 증명해 왔습니다. 빛과 거울, 큐브, 회전 등 작품에서 반복되고 진화해 온 조형 언어 가운데 최근 가장 크게 변했다고 느끼는 것은
에스 거울을 다루는 방식입니다. 이전 작업, 이를테면 2021년 슈퍼블루 마이애미에서 선보인 ‘Forest of Us’에서 거울은 구조의 경계를 확장하고 미로 같은 반사를 만들어내는 조형 도구입니다. 하지만 최근에는 거울 앞에 서면 자신의 모습을 보게 되리라는 익숙한 기대를 비트는 작업을 하고 있어요. 푸투라서울의 다면 거울 공간에서는 시선이 여러 방향으로 굴절되면서 자신 대신 같은 공간에 있는 다른 사람들의 조각난 모습을 보게 됩니다. 이 작업은 베트남의 선승 틱낫한이 제시한 ‘상호존재(Interbeing)’ 개념에 바탕을 두고 있습니다. 거울은 자신을 비추는 도구에서 타인과 이어져 있는 우리의 존재를 성찰하는 매개로 확장됩니다. 그렇게 시선은 고립된 자기성찰에서 함께 존재하는 경험으로 옮겨가죠.
생 로랑 2023 S/S 남성복 쇼. 오스트리아 브레겐츠 페스티벌의 호수 무대에 올린 비제의 오페라 <Carmen> 무대는 25m 높이의 두 손이 카드 한 벌을 흩뿌리는 형상으로 세웠다. 마이애미 슈퍼블루를 위해 만든 미로형 설치미술 작품 ‘Forest of Us’(2021). 영상과 거울면을 써서 인간의 호흡기 구조를 닮은 통로를 만들었다.
엘르 데코 넷플릭스 시리즈 <앱스트랙트>의 에스 데블린 편 오프닝을 즐겁게 봤습니다. 이름에 얽힌 에피소드를 들려줬죠. 간혹 이름만 접한 사람들은 당신을 남성으로 예측하고 이런 평을 남기기도 한다죠. ‘무대가 지나치게 남성적이다’ ‘대본의 여성스러운 면을 읽어내지 못한 것이 아쉽다’ 등등. 하지만 정작 당신은 흡족해했어요. ‘편리하고 유용한 이름’이라면서요. 성별을 떠나 지금까지 자신의 삶이나 커리어에서 무엇을 증명하고 싶었나요
에스 저는 이 아름다운 행성에서 살아간다는 것 자체가 경이로운 기적이라고 생각하며 살아왔습니다. 매일 저에게 주어진 삶에 걸맞은 존재가 되기 위해 애써온 것 같습니다. 제 의식을 통해 우주가 스스로를 바라볼 수 있도록 말이죠.
“돔은 원래 집을 뜻하는 말이었다”는 데블린의 문장에서 출발한 작품 ‘Come Home Again’ 2022년 9월, 세인트 폴 대성당을 마주 보는 테이트 모던 정원에 놓였다.
엘르 데코 어릴 적부터 품어온 오랜 호기심은 어떤 것인가요
에스 어린 시절의 저는 작은 세계와 이야기가 어떻게 물리적 형태에 담길 수 있는지에 대해 깊은 호기심을 품고 있었습니다. 여섯 살 때, 잉글랜드 이스트 서식스 주 로더 지구에 있던 라이(Rye)라는 마을의 축소 모형을 본 적 있어요. 조명이 켜지며 지역 역사를 들려주던 그 모형은 제 안에 오래도록 질문을 남겼어요. 음악이나 시, 감정처럼 추상적인 걸 어떻게 구체적인 공간 형태로 옮길 수 있을까? 어린 시절에는 방에서 종이 디오라마를 만들고, 프로젝터 위에 사탕 포장지를 올려 방 안의 빛과 색을 바꾸며 몇 시간씩 보내곤 했습니다. 그런 호기심은 지금도 제 작업을 이끄는 원동력입니다. 스타디움이든 오페라든 미술관 설치미술 작업이든, 모든 프로젝트는 종이로 작은 모형을 만들고 그 안에서 빛과 이야기가 어떻게 자리 잡는지 살펴보는, 어린 시절과 크게 다르지 않은 방식에서 시작됩니다.
엘르 데코 청년기에는 영문학을 전공하고 미술 & 연극 학교로 옮긴 것으로 압니다. 영문학 전공이라는 배경은 무대 디자인 업계에서 남다른 도구가 됐을 것 같아요. 이 길에 들어서기 전부터 쌓아온 당신만의 무기는
에스 제 인생에서 중요한 결정 가운데 몇 가지는 제가 들어섰던 ‘방’에 의해 이뤄졌습니다. 미술대학에서 어떤 전공을 선택할지 고민하다가 두 개의 방에 들어가봤습니다. 순수미술 스튜디오는 하얗고 아름다웠지만 비어 있었고, 무대 디자인 스튜디오는 붉은 공간에 무대 디자이너들과 축소 모형, 음악과 대화로 가득 차 있었죠. 무엇보다 그 ‘붉은 방’이 24시간 열려 있었어요. 무엇을 만들고 싶은지는 몰랐지만 언젠가 만들게 될 무언가를 위해 밤새워 작업하고 싶다는 마음은 분명했습니다. 돌이켜보면 그 붉은 방에서 흥미로운 협업을 이어가며 보낸 20년은 2016년에 개인 작업을 시작하면서 하얀 방을 홀로 마주하기 위해 필요했던 저만의 준비 시간이었던 것 같습니다.
작업실에서, 에스 데블린.
에스 데블린의 스튜디오 한쪽 벽. 분홍 패널을 배경으로 씨앗들이 늘어서 있다. 연필로 그린 곤충 컷아웃, 돔을 사분면으로 잘라낸 모형, 종이를 오려 세운 도시, 손바닥만 한 의자까지.
엘르 데코 학창 시절 음악(바이올린) 레슨에서 몸에 익힌 것이 ‘반복, 리허설, 재시도’라는 습관이라고도 했어요. 에스 데블린 스튜디오에서 동료와 작업할 때도 이런 방식을 추구하나요
에스 그런 습관은 지금도 우리의 작업방식을 결정합니다. 디자인은 번뜩이는 천재성에서 탄생하는 게 아니라 바이올린 음계를 매일 연습하듯 반복해서 익혀 가는 과정입니다. 스튜디오에서는 모형 제작과 드로잉, 리허설을 통해 형태가 스스로 모습을 드러낼 때까지 거듭합니다. 젊은 디자이너들에게도 반복이 과정을 좀 더 수월하고 명확하게 만들어준다고 자주 이야기해요. 저는 관람자를 ‘리허설 공동체(Rehearsal Society)’라고 생각합니다. 세상을 바라보는 새로운 방식을 연습하고, 서로의 존재를 의식하며 함께하는 방식을 경험하는 자리로 초대하고 싶기 때문입니다.
종이로 만든 상자 모형 안쪽에 연필로 선을 더한다. 부채꼴로 오려낸 틈 사이로 건물과 돔이 층층이 들여다보인다.
작업대 위. 왼쪽에는 목탄과 연필, 오른쪽에는 색상 값이 빼곡한 교정쇄가 펼쳐져 있다.
뉴욕의 쿠퍼 휴잇 전시 <An Atlas of Es Devlin>을 위해 포장했던 운송 상자.
손톱 두 개만 붉게 칠한 거대한 손 모형과 분홍 갓 조명.
구다회 관람자가 어떤 기대감으로 그 장소에 있는지 깊이 상상한다는 점이 에스 데블린의 작품을 특별하게 만들어주는 것 같습니다. 서펜타인 갤러리에서 진행된 ‘Poemportraits’ 같은 작업은 관람자의 참여를 전제로 해요. 관람자의 참여가 없다면 정말 미완으로 남았을 작품이 있을까요
에스 ‘Screenshare’에서는 관람자가 제 30년간의 스케치북 기록이 담긴 필름 한 조각을 가져가며 작품의 ‘씨앗’을 자신의 삶으로 데려갑니다. 그 필름 조각을 관람자가 직접 가져가지 않으면 전달의 순환은 완성되지 않아요. 하지만 일시적인 공동체에는 조용히 지켜보는 사람을 비롯해 다양한 성향의 사람들이 함께합니다. 저는 그런 관람자를 위한 공간도 설계합니다. 푸투라서울에서는 거울 공간에서 말없이 서 있거나, 정원을 내려다보이는 바닥 곁에 조용히 머무는 관람자의 시선과 존재 역시 건축 안으로 스며들어 반영되도록 설계했습니다. 그들이 가만히 머무는 것만으로도 작품이 완성돼요.
엘르 데코 기술적으로 구현하기 어려웠던 작업 중 하나로 오스트리아 브레겐츠 페스티벌에서 상연된 오페라 <카르멘>을 꼽기도 했습니다. 그러면서 딜레마에 관해 말했죠. 당신이 만드는 것의 대부분은 가짜이거나 허상인 측면이 있고, 모든 예술가는 진실된 무언가를 전하고 싶어 한다고요. ‘거짓된 것으로 어떻게 진실을 전할 수 있을까?’에 대해 스스로 답하는 과정이 매 작품에 반영되고 있는 것 같습니다. 답은 구했나요
에스 무대 세트와 거울, 투사된 드로잉, 조명 장치는 엄밀히 말하면 모두 인공 장치입니다. 다시 말해 환영이자 마법이죠. 하지만 저는 환영이야말로 진실에 가까이 다가갈 수 있는 직접적인 방법이라고 생각합니다. 제임스 볼드윈(James Baldwin)이 이런 말을 남겼습니다. “당신은 자신의 고통이 오직 자신만의 것이라고 생각한다. 그러다 책을 읽게 되고, 자신의 고통이 지금까지 살아온 모든 사람의 고통과 닮아 있다는 사실을 깨닫는다.” 거울과 빛으로 가득한 공간이 당신 주변 사람들, 우리와 함께 지구를 살아가는 250종의 생명과 연결돼 있다고 느끼면 그 순간의 감정과 자각은 모두 진실한 것입니다. 환영은 거짓입니다. 하지만 그 환영이 우리를 이어주는 순간만큼은 진실이에요.
블랙 재킷은 Lanvin. 블랙 톱과 레깅스 팬츠 앵클 부츠는 모두 Givenchy by Riccardo Tisci.
엘르 데코 에스 데블린의 작업은 기억과 새로움에 대한 인간의 매혹을 중심으로 이뤄집니다. 당신을 매혹시킨 강렬한 예술의 기억은
에스 펠릭스 곤잘레스-토레스(Fe`lix Gonza`lez-Torres)의 작품이 제게 잊을 수 없는 인상을 남긴 건 확실해요.
정원으로 난 창 앞의 작업 공간. 붓과 연필, 삼각대와 마이크, 헤드폰이 뒤섞여 있고, 앞쪽에는 색상 교정쇄가 그대로 펼쳐져 있다.
천장까지 책으로 채운 방. 바퀴 달린 이젤에는 목탄으로 그린 인물 초상이 걸려 있고, 뒤쪽 선반에는 데블린이 ‘The Lehman Trilogy’로 수상한 토니상(연극 무대 디자인 부문) 트로피가 놓여 있다.
스튜디오 전경. 벽면을 덮은 대형 목탄 드로잉 아래로 액자에 든 인물화들이 기대어 서 있고, 오른편에는 물감 트롤리와 작업 중인 초상이 놓였다.
엘르 데코 지난 TED 스피치에서 “시를 외운다는 것은 당신이 절대 잃어버릴 수 없는 무언가를 남기는 것”이라고 했어요. 푸투라서울에서 전시 <Come Home Again>에 관한 코멘터리로서 좋아하는 시구 하나를 알려준다면
에스 에이드리언 리치(Adrienne Rich)의 1973년 시 ‘난파선 속으로 잠수하기(Diving into the Wreck)’가 생각나네요. “처음에 공기는 푸르다가 이내/더 푸르러지고, 다음엔 초록빛, 그러고는/검은빛. 나는 정신이 가물거리는데/내 마스크는 강력해/내 마스크는 강력해/내 피에 힘을 불어넣지/하지만 바다는 전혀 다른 이야기/바다는 힘의 문제가 아니야/나 혼자 익혀야 해/힘을 주지 않고 몸을 돌리는 법을/이 깊은 원소 속에서(First the air is blue and then / it is bluer and then green and then / black I am blacking out and / my mask is powerful / my mask is powerful / it pumps my blood with power / the sea is another story / the sea is not a question of power / I have to learn alone / to turn my body without force / in the deep element).”
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